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26.3.09

Relembrando GERMAN CALLING e DEUTSCH ROCK


O artigo aqui publicado é uma tradução de um artigo original da autoria de Davy McDonnell, que analisa exaustivamente os dois primeiros artigos conhecidos, da imprensa britânica, acerca da cena emergente do rock alemão. Esses artigos foram publicados, no início da década de 70, nos jornais Melody Maker e New Musical Express.

O artigo original de Davy McDonnell pode ser encontrado em http://www.sci.fi./~phinnweb/krautrock

Os sublinhados são meus e pretendem destacar algumas das características que fazem do krautrock um tipo de música especial.



LINK (para ir exploarando...)

Relembrando GERMAN CALLING e DEUTSCH ROCK
Por Davy McDonnell

Amon Düül II

Os fãs do site pHinnWeb na internet perguntar-se-ão sobre a razão deste título e especificamente sobre qual será o seu conteúdo.

Bem, talvez sem surpresas, ele trata de dois aspectos, ou antes pontos de vista sobre o Krautrock expendidos já há bastante tempo, mas que merecem ser publicados: um deles pelo seu negativismo geral e injustificado, e até pela sua hostilidade, e o outro pela razões opostas.

German Calling deu título a uma série de artigos publicados no semanário britânico New Musical Express (NME), entre 1972 e 1973, que eu li na altura, acerca da aparecimento da nova cena de rock experimental na então Alemanha Ocidental. Escrevi a maior parte do presente artigo fazendo um resumo do pessimismo geral daquela série de artigos escrita no NME por um certo jornalista, que se chamou a si próprio Ian McDonald, mas cujo nome real acredito ser Ian McCormick, irmão do baixista fundador dos Matching Mole, Bill McCormick. Muitos anos depois, decidi ir até ao arquivo de jornais da British Library em Londres para obter fotocópias da série e relembrar-me do que li, com espanto, naquela altura. Da mesma secção, obtive uma fotocópia do primeiro artigo sobre Krautrock, que eu tinha lido em 1972 no semanário musical rival Melody Maker. Intitulava-se Deutsch Rock e foi escrito, a julgar pelo próprio artigo, por um honesto jornalista chamado Michael Watts. Em contraste, este era muito positivo e refrescante. Depois da minha análise da série de artigos de MacDonald, resumi o conteúdo do seu único artigo, com satisfação.

Então, começando com a série de MacDonald, coloquei as suas palavras entre comas duplas invertidas, enquanto todos as outras utilizações de comas invertidas estão na forma simples. Os meus comentários surgem alternados pelas declarações de MacDonald em algumas ocasiões, mas quando isso não ocorre, não quer dizer que eu concorde com ele; aliás isso dificilmente aconteceria face ao negativismo que ele manifesta. Os fãs do Krautrock na internet irão também facilmente espantar-se com os bizarros pontos de vista e as inúteis descrições erróneas de MacDonald.

A primeira parte do German Calling apareceu na edição do NME de 9 de Dezembro de 1972 e foi publicada nas páginas centrais com três títulos representativos da série:

(1) A primeira análise profunda da mais estranha cena rock no mundo; (2) Rock alemão desafia virtualmente o rock inglês e americano; e (3) Muitos grupos consistem em dois artistas ou até um. Quanto tempo demorará até que as máquinas tomem o controlo? Havia ainda cinco fotografias que acrescentavam fascínio ao artigo: (1) O duo Cluster de Berlim que se preparava para se separar; (2) Os Neu!, de Dűsseldorf ponderando o que fazer a seguir; (3) os Tangerine Dream inspeccionando o Muro de Berlim; e (4) e (5) captados juntos, Popol Vuh e Can – orando na Igreja da sua opção. As duas últimas fotos foram de facto tiradas em igrejas.

Ironicamente, MacDonald fora imparcial e até positivo nesta primeira parte da sua série de artigos. Ele descreveu o fundo social e político que conduziu ao crescimento da nova música e isso valia a pena ler na sua integridade, mas ele é demasiado detalhado para efeitos de resumo no presente artigo. Além do mais, alguém que leia as duas páginas da primeira parte, e não sabendo o que viria nas partes seguintes, teria a impressão que MacDonald era um fã convertido à nova cena rock germânica. Em todo o caso isso estaria muito longe de acontecer, apesar de ele não desprezar tudo dessa cena.

Relembrando Germany Calling divulga o que é parte da história primordial do Krautrock, e concentra-se principalmente nas críticas de MacDonald às bandas e artistas – o aspecto subjectivo – em vez de detalhar o material histórico e factual da cena rock germânica na sua série de artigos – o aspecto objectivo.

O seu retrato desta última é, em geral, aceitável e muito útil aos fãs do Krautrock que estejam interessados na história da música. É toda a sua parcialidade na primeira, que dá razão à colocação em questão da sua credibilidade e lógica através do presente artigo.

MacDonald elogiou as diferenças entre o rock germânico e o típico rock anglo-americano, especialmente no aspecto da improvisação, no qual “as bandas germânicas tendem a executar as suas ‘composições’ ao vivo até as terem como as querem, seguindo-se então a gravação e a cessação da execução dessas músicas”, explica ele. E imediatamente acrescenta: “Nós perguntamos qual a razão para essa lógica não poder igualmente ser aplicada pelos grupos anglo-americanos.” Ele realça ainda o que quer dizer citando o baixista e manager da banda britânica Nektar sediada na Alemanha. ‘O público alemão’, nota Moore, ‘não deseja a reprodução cuidadosa em concerto, de alguma coisa gravada em estúdio. Ele gosta de discos, mas pensa que as actuações ao vivo devem ser experiências diferentes. Eles não estão com a perfeição, estão sim com o sentimento”.

MacDonald volta à carga. “Alguns grupos, como os Can ou os Kraftwerk, estão tão ‘dentro do sentimento’ que, quando vão para o estúdio gravar um álbum, simplesmente actuam durante um certo período – seleccionam as fitas que preferem – e editam-nas para um tamanho manejável.

Isto é extraordinário considerando a raridade com que a média dos grupos germânicos empreendem uma sessão de gravação. No seu lugar, uma banda britânica até se esganaria para definir as canções a serem confiadas para a posteridade, ou (pelo menos) utilizariam todas as possibilidades do estúdio para capturar take após take as músicas que haviam planeado previamente”.

MacDonald sublinha outra diferença entre algumas bandas germânicas e as suas correspondentes anglo-americanas através da sua válida declaração que “uma considerável facção dos grupos germânicos, incluindo os Cluster e os, no topo, Tangerine Dream, confinam-se nos seus álbuns a uma totalmente livre improvisação sonora sem compasso. É seguro dizer que, dentro da esfera anglo-americana de influência, nem a Third Ear Band pôs cá fora três quartos de hora de música sem tema ou pulsão regular. Na Alemanha esses procedimentos ruidosamente avant-gard são garantidos pelas audiências ordinárias do rock.” Ou, nas suas outras palavras: “Muita bandas germânicas não têm bateristas (aquelas que o têm, frequentemente relegam-no para uma função estritamente metronómica, que seria mais facilmente preenchida por uma máquina, uma ideia seguida à sua conclusão lógica por Ralf Hutter dos Kraftwerk), e a ausência geral de guitarras em andamento livre (solo) conduziu a uma acentuação nos teclados e instrumentos de efeitos sonoros.” Daqui, ele passa para um possível futuro cenário. “Assim é, que muitos grupos germânicos consistem em apenas dois, ou até apenas um artista. O passo final – uma banda sem qualquer membro – está mais perto de se materializar num futuro próximo.”

A seguir MacDonald explica que o aparecimento da música foi principalmente devido ao empreendimento de umas poucas pessoas que fundaram as etiquetas Ohr e Brain. Elas foram o escritor Rolf-Ulrich Kaiser e o editor Peter Meissel no caso da Ohr, e Bruno Wendel e Gunther Korber no caso da Brain, que eram dois dissidentes da Ohr. Uma indicação da importância de ambas as etiquetas é dada por ele através das seguintes palavras: “Até agora a etiqueta [Brain] tem dezasseis discos a seu crédito e está a trabalhar muito bem – assinalável, sendo que a Ohr [com mais de trinta, declarou ele antes] possui todos os grupos de topo sob contrato exclusivo excepto uma mão cheia deles já repartidos pela Polydor e United Artists.” Ele poderia ter acrescentado a Philips ao último reboque.

No final da primeira parte, ele dá-nos alguma informação útil acerca dos estúdios de gravação. “As técnicas de gravação germânicas estavam num estado primitivo quando o presente boom começou, há três anos. Hoje em dia, os padrões de produção são mais que adequados, mas o número de estúdios equipados para trabalhar com grupos rock é pequeno e a maioria das bandas limitam-se ao Conny Plank’s Starstudio em Hamburgo ou ao Dieter Dierks’ 16-track em Stommeln, nos arredores de Colónia. Amon Düül II gravaram no Peter Kramper´s, um pequeno estúdio em Munique, na Bavaria; Os grupos ‘cósmicos’ [ele quer dizer Ash Ra Tempel, Popol Vuh, Klaus Schulze e Tangerine Dream] num estúdio de 8 pistas em Berlim; e os Can têm o seu próprio Inner Space Productions estúdio em Colónia, no Schloss Norvenich, um castelo convertido em cinema. O estúdio mais avançado, no entanto, habita numa ex-escola em Wumme, algures na estrada entre Hamburgo e Bremen, na província, perto de Luneburg Heath.” E passando para a sua última frase, ele de repente insinua, para os leitores atentos, que talvez não seja fã da cena rock germânica em geral: “Aqui o espectacular sucesso do rock germânico está perto de fazer a sua própria mitologia – mas leiam mais acerca disso na próxima semana.” Os leitores do NME daquele tempo ficaram desconhecedores da banda a que ele se referia, mas os fãs do Krautrock que lêem o presente artigo saberão qual é. Em todo o caso, será na terceira parte que ele descreverá a música dos Faust.

Com mais história do que talvez opinião musical, começa a segunda parte da série de MacDonald no número de 16 de Dezembro, ocupando quase três páginas completas: aqui estavam os títulos das origens da história primeva dos Can assim como do seu primeiro álbum Monster Movie e da comuna dos Amon Düül, ambos sem criticas. Depois vem o começo do seu desrespeito pela cena rock germânica: “dois terços delas consistem em imitações do rock anglo-americano com objectivos lucrativos se bem que obtusos, das quais os Birth Control são o expoente máximo. A banda mais rica do país... [que] tem um álbum editado aqui na Charisma, enquanto os seus vários seguidores estão todos na Brain, todos em vários graus, todos a vários níveis, lavrando o mesmo sulco entediante como os Uriah Heep, Black Sabbath e Deep Purple, e entre os quais estão os Gomorrha, de Colónia, Jane, de Hannover, e os Grobschnitt, de Dortmund. “Aqui só para nós, comparar os progressivos Grobschnitt, só com base no seu primeiro álbum, com as citadas bandas de hard-rock Inglesas, está fora da minha compreensão.

Os originais Amon Düül estaria em breve na linha de fogo.

“As [bandas] menos necessárias são aqueles grupos Vanguardas Revolucionários, os quais, longe de aprenderem a tocar os seus instrumentos, nunca tentaram aparecer senão com as mais primitivas ideias musicais. O protótipo deste movimento é o colectivo Amon Düül ... [o qual] começou por mostrar 20 horas de improvisações instrumentais pacóvias, algumas das quais apareceram, infelizmente, em duas edições da Ohr, Collapsing e Paradieswarts Düül.”

Outros aderentes da Vanguarda Revolucionária, continua ele, incluem Ash Ra Tempel, “um género de Hawkwind pré-diluviano (cujo segundo álbum, Schwingunger, é um avanço ao seu primeiro, o qual é tocado em instrumentos eléctricos em vez de acústicos e é, por isso, mais barulhento), e os Mythos, uma imitação de meia-tigela dum grupo inglês de meia-tigela chamado Continuum”.

É claro que, em relação aos Ash Ra Tempel, ele estava errado acerca da diferença electroacústica, e poderia ter percebido isso facilmente se ouvisse o disco adequadamente.

A banda a seguir não colheu melhor. “Igualmente a ser evitado é um disco chamado Mandalas feito em 1970 por um quarteto de estudantes da Universidade de Heidelberg, auto-intitulado Limbus 4, que é um pouco como a Incredible String Band debaixo de um ataque de gás lacrimogéneo.

MacDonald volta-se depois para os Guru Guru e menciona os seus primeiros três álbuns, UFO, Hinten e Kanguru, explicando que antes consultou o seu colega do NME, Tony Stewart, que tinha sido baterista na Alemanha em 1967, pedindo a sua opinião sobre como estava se estava a desenvolver a cena alemã nesse momento. A resposta de Stewart foi: ‘Se existissem bandas inglesas que estivessem há cinco anos fora de moda, elas teriam feito furor na Alemanha no momento’. MacDonald continua então: “De facto há bandas Inglesas que estão fora de prazo há cinco anos (maus manipuladores da teoria de Hendrix nos seus primeiros estádios, como os Pink Fairies e os Groundhogs) e os Guru Guru soam notavelmente como eles, apesar de um adicionado disfarce de simplismos electrónicos. Assim, esta banda forma a ligação entre os grupos ‘cósmicos’ mais chatos da Vanguarda Revolucionária de Berlim e os plagiadores do Heavy Rock de Inglaterra, que operam principalmente entre Hamburgo e o Ruhr.” Guru Guru foi uma das primeiras bandas que eu ouvi, e a minha opinião acerca deles, depois de passados todos estes anos, é que eles estiveram bem à frente das bandas de hard-rock britânicas. Talvez MacDonald simplesmente não goste que isto seja verdade.

Ele colocou os Embryo, Xhol e Annexus Quam na mesma categoria apenas porque eles estavam entre os grupos alemães que incluíam instrumentos de sopro no seu line-up. Na descrição de Opal, o primeiro disco dos Embryo, ele diz que “Apesar de a música que aqui ouvimos não poder ter sido feita por ninguém de outra nacionalidade, falta substância, exceptuando, eventualmente, o apelo romântico semi-competente, que partilha com os Velvet Underground dos primeiros tempos (com os quais este grupo não suporta qualquer outra semelhança)”.

Uma análise mais profunda certamente lhe revelaria o segundo álbum da banda, Embryo´s Rache, e possivelmente o terceiro, Father, Son and Holy Ghost, ambos editados pela United Artists antes da sua série de artigos.

Referindo-se aos Xhol, baseado nos seus três álbuns – com Electrip, gravado com o nome de Xhol Caravan, sendo contado como o seu primeiro – ele resumiria que “ é muito propenso a longos interlúdios de delírio monocórdico, pontuado por súbitas e anómalas entradas pela “soul music”. Não é dada por eles qualquer explicação nem eu recomendo estes discos.” Mas por que carga de água haveriam os Xhol de dar qualquer explicação e porque ficaria o MacDonald tão surpreendido pela sua ligação à “soul music”, para ele que tinha conhecimento que o seu nome original era Soul Caravan? De qualquer modo, para mim, os Xhol foram, e ainda são, das bandas mais intrigantes de sempre. A sua musica é soberba e a falta de recomendação de MacDonald não tem significado para mim.

E sobre o terceiro dos grupos com instrumentos de sopro: “ Bem melhores são os Annexus Quam de Dusseldorf, que, tendo lançado o horrível Osmose, o seu primeiro álbum, estão agora a tocar free-jazz amnésico num novo disco, Beziehungen, com um som agradável a uma distância razoável mas com um duvidoso prospecto publicitário.”

O que significa realmente isto?

No lado folk-rock, dois duos foram as próximas vítimas. A sua descrição dos Witthuser and Westrupp foi “um par de repulsiva aparência, cuja ocupação (aparentemente) consiste em obscenas e satíricas canções executadas com o acompanhamento de vários instrumentos acústicos. A menos que entendam o alemão vão achar a sua música, tal como nos é apresentada em álbuns como Lieder von Vampiren e Tripps und Traume, banal ao máximo; até com um curso de formação em disparates seria improvável qualificar-se como um hierofante de Sturmischer Himmel, a primeira gravação de Paul e Limpe Fuchs, um Duo de Virgens Teutónico cujos interesses centrais aparentam ser os sons de ovelhas, cornetas alpinas e ainda mais uns bongos.”

Nem tudo foi negativo na parte dois, tendo MacDonald organizado a coisa de modo a oferecer alguns elogios. Para MacDonald foi quase humilhante descobrir a música e filosofia radical dos “excelentes Floh de Cologne”, assim introduziu ele esta banda marxista. “Fliesbandbaby’s Beat Show, realizado em 1970 é uma áspera e radical combinação da teatralidade de Brecht-Weill e rock’n’roll de menor escalão, enquanto Profitgeier, ironicamente lançado como ‘a primeira ópera-rock alemã’ no ano seguinte, representa um considerável avanço quer na música quer nas letras, contendo um libreto que compreende, para além das letras das canções e palavras ditas, pequenos ensaios sobre vários aspectos da exploração capitalista e uma lista de leitura marxista sobre um leque muito alargado de tópicos. “ Contudo, num outro aspecto, ele sentencia: ”Os Floh são, sem dúvida, uma experiência confortável (eles até organizaram as coisas de modo a impressionar os personagens da moda alemã, abandalhando no meio da sua primeira e única conferência de imprensa, derrubando as mesas, e enfrentando as câmaras gritando ‘Fuck for money’)”; mas ele conclui dizendo que “Apesar do comum fã do rock pouco conseguir perceber dos discos dos Floh, qualquer pessoa que fale alemão e que seja socialista considerará Profitgeier inesquecível, quer musicalmente quer como meio de propaganda sofisticada.”

MacDonald achou encorajador que nenhum dos sub-géneros do Rock Alemão existia em completo isolamento.

“Ligados entre as mais convencionais bandas rock e os grupos radicais ‘cósmicos’ como os Tangerine Dream, Popol Vuh, e Cluster, está uma música que retém, não obstante numa forma muito simplificada, as referências organizacionais dos primeiros (como o tempo regular, uma base temática, ocasionalmente até material temático), enquanto retira completa vantagem da liberdade de conceito e da prática dos últimos.” Duas bandas essencialmente similares são aqui classificadas: Primeiro, Kraftwerk, cuja história pessoal que passa por uma separação que conduziu à formação do segundo, Neu!, foi rapidamente descrito e sentenciado ser “um frio e mecânico grupo, parecendo inclinado em eliminar todos os traços de expressão emocional da sua música”.

Isto não é necessariamente uma crítica, mas rapidamente se evidencia como tal: “Para mim, a música [dos Kraftwerk] é difícil, sem estrutura convincente, sem coração, sem dignidade redentora, e finalmente um entorpecimento aborrecido – quase ao contrário do primeiro álbum dos Neu [ele não escreve o nome do grupo correctamente, como ‘Neu!’, com o seu ponto de exclamação], construído usando princípios semelhantes, mas perto do cume da expressão emocional teutónica.”

Com referência ao álbum dos Neu!, MacDonald continua: “Sonderangebot mantém interesse no som dum címbalo em fase durante 5 minutos, Weissensee e Lieber Honig têm tanta ternura como aquela que um grupo germânico pode dar e mesmo as faixas mais Kraftwerkianas, como Hallogallo e Negativland, projectam um conforto e imaginação que, teoricamente, não deviam estar ali. Nos Neu, um pretenso anterior desenvolvimento no rock germânico começa a explicar-se por si próprio – mas, ainda assim, recomendo uma escuta cuidadosa antes de ser feito qualquer investimento”. É MacDonald que deixa os leitores mistificados.

Ao que ele tinha escrito anteriormente na segunda parte seguiu-se uma análise mais detalhada e parcialmente crítica ao progresso dos Can, desde Monster Movie através de Tago Mago até Ege Bamyasi, mencionando também Can Soundtracks.

“A mania deles é improvisarem livremente sobre motivos deliberadamente simples. Em certas ocasiões, em períodos de tempo completamente desordenados, esta auto-limitação bastante arriscada (Os Can preferiam vê-la como liberdade total) apenas produz algo consistentemente ardente em Monster Movie. Do álbum Mary, Mary, So Contrary, permanece uma das mais poderosas declarações do Rock Alemão [apesar de ele não dizer porquê], fazendo da hora de improvisação modal em Tago Mago, o seu segundo disco, parecer ainda mais empobrecida do que realmente já é. Ege Bamyasi, o último da banda, contém mais dois longos exercícios em repetição gelada, mas também contém um número de pequenas, mais controladas, músicas que roçam as secções audíveis dos álbuns precedentes – e estes, como Outside My Door (Monster Movie), Oh Yeah (Tago Mago), and Vitamin C (Ege Bamyasi) provam ser tão hipnóticos na sua maneira de ser, como, digamos, um longo blues dos Taj Mahal, ou Sad-Eyed Lady of the Lowlands.” Ele resume os Can do seguinte modo: “Uma banda de intelectuais, estranha e única, lutando para fazer música popular num clima dominante anti-cerebral. Can são a epítome da contradição central do Rock Germânico, produzindo alguma boa e alguma horrível música, parecendo descabidamente felizes como um bando de esquizofrénicos incipientes. Pelo menos são honestos e articulados e não podem ser ignorados. Tentem Ege Bamyasi por iniciativa própria. Eu não sou um fã dos Can, mas é bem possível que o mundo esteja com deles, pelo que não devem ser negados.” Por que é que ele não mostrou esta objectividade, como na última frase, ao longo de toda a série?

No lado cósmico, os Tangerine Dream foram aceitável e interessantemente descritos como “parecidos com uns Pink Floyd sem batida, desde Fly and Collision of Comas Sola, do seu segundo álbum Alpha Centauri, não existe batimento regular em qualquer parte da sua música – um facto que pode afastar os ouvintes mais orientados para o ritmo”. Ele prossegue a inegável justeza desta afirmação com outra: “No entanto, para qualquer pessoa, para quem A Saucerful of Secrets permanece uma avenida longa de exploração, achará os Tangerine Dream fascinantes.”

Depois entra na onda negativa outra vez resumindo os seus três álbuns daquele tempo. Electronic Meditation... “foi um esforço pobre, concebido pretensiosamente e executado confusamente com base no fraseado blues da guitarra de Froese soando risível e anacronicamente contra a retaguarda de som sintetizado.” Dos outros dois membros, ele chama a atenção que Schnitzler “imediatamente partiu para formar um grupo ‘cósmico’ rival, Eruption, que ainda não gravou, enquanto Schulze saiu para prosseguir uma carreira a solo, cujos primeiros frutos floriram em Irrlicht, a sua montagem sonora duma orquestra sintetizada”. Esta última frase podia ser um elogio, embora MacDonald talvez quisesse apenas empregar o verbo ‘florir’ como um sinónimo do verbo ‘aparecer’. A dúvida subsiste.

Sobre a faixa que dá título ao álbum Alpha Centauri, disse ele com um provisório criticismo, “ é um extenso ensaio na tranquilidade da flauta de Udo Dennebourg e o sintetizador de Roland Paulyck e assim forma uma ligação entre este álbum e o mais recente projecto da banda – o enorme ‘largo em quatro movimentos’ para moogs, VCS3, orgãos, vibrafones e violoncelos massivos: Zeit”. Contudo, segue-se uma afirmação errada, acerca duma mudança de pessoal para este duplo LP: “Aqui Franke foi substituído por Peter Baumann e pelo artista convidado Florian Fricke, o mais famoso expoente alemão do sintetizador. Eu fiquei entediado; vocês podem ficar em êxtase”. De facto foi Schroeder que foi substituído por Baumann, mas Schroeder ainda tocou em Zeit como convidado, assim como Fricke, e uma observação atenta das capas do álbum ajudariam MacDonald a não cometer aquele lapso dando informações erradas aos leitores do seu NME. Apesar de este erro poder não ser tido como muito significativo por si próprio, ele ainda sugere – especialmente em conjugação com as suas outras afirmações – uma atitude de desmazelo ao assumir-se como o responsável por esta análise profunda.

Comentários sarcásticos acerca dos Tangerine Dream e dos Cluster, e da sua parafernália de instrumentos electrónicos, vieram a seguir. “Mesmo tendo em conta que são um dos grupos mais bem pagos, o equipamento dos Tangerine Dream é tão caro que todos eles têm outros trabalhos durante o dia para pagar os instrumentos. Os Cluster de Frankfurt não são de forma alguma tão bem conhecidos e têm de lutar para conseguir que as companhias lhe aluguem a grande massa de ‘gadgets’ electrónicos, órgãos e violoncelos eléctricos.” Apesar disso ainda sobram alguns elogios para os Cluster: “Dieter Moebius e Joachim Roedelius fazem um som menos passivo que os Tangerine Dream – de facto, Live in der Fabrik, do seu álbum para a Brain, Cluster II, é reminescente da brilhante electrónica de The Ipcress File – e, por esta razão, eles emergem como mais encantadores que a generalidade das contemplações bovinas de Zeit.”

Preferível aos Tangerine Dream e Cluster na pasta da electrónica, diz ele, está o trabalho de Wolfgang Dauner e do seu grupo, com a edição de Output em 1970 na editora ECM, e um novo, Rischkas Soul, que apareceria em breve na Brain.

“O tema aqui é o jazz sintetizado com humor e uma tremenda energia – recomendado.” Com estas afirmações MacDonald insinuara aos leitores do NME que tinha ouvido Rischkas Soul antes da sua edição – como poderia ele recomendar algo sem ouvir? – porém, as suas palavras posteriores indicam, como eu fiz notar, que ele ‘mudou de opinião’ (?) acerca desta recomendação.

O último parágrafo da parte dois introduz os Amon Düül II e o facto de eles terem gravado cinco álbuns, apesar de os dois primeiros, Phallus Dei e Yeti, “serem ásperos e pesados, muito mais interessantes que a média do Rock Alemão da altura, mas pobres pelos padrões de hoje”. Em todo o caso, estavam guardados mais pontos positivos – assim como negativos –para a terceira parte acerca dos Amon Düül II.

A parte dois continha fotografias de três bandas já mencionadas: Floh de Cologne, Amon Düül II e Can; e havia ainda um cabeçalho sobre os Faust: não tão bem conhecidos mas autênticos leaders Germânicos. A música dos Faust seria descrita na terceira e, em princípio, última parte, que apareceria no dia 23 de Dezembro e ocupava cerca de meia página.

Continuando com os Amon Düül II, MacDonald refere a liderança bipartida da banda, por parte de Chris Karrer e John Weinzierl, e ao álbum Dance of the Lemmings, com as suas respectivas composições Syntelman’s March of the Roaring Seventies e Restless Skylight-Transistor-Child – “ambas faixas que ocupam um lado inteiro do disco com correntes de ideias contínuas, mas sem que qualquer delas seja totalmente convincente, apesar de imediatamente distinguíveis, estilisticamente”. E acerca do segundo disco deste duplo LP: “Das faixas improvisadas, a forma livre Marilyn Monroe Memorial Church faz lembrar os Tangerine Dream no seu próprio campo, enquanto o resto permanece sem traço na memória.” É estranho como ele pode ver nada de positivo acerca de três excelentes e intricados instrumentais baseados em sons de guitarras, que completavam o restante do último lado do disco duplo. Depois ele refere-se a Carnival in Babylon: “Se bem que mais doce e luminoso apenas por comparação com os três discos precedentes, é certamente um disco mais relaxado, mostrando os Düül, para o pior e para o melhor, tentando casar certas ideias composicionais Anglo-Americanas com o seu som Germânico único. O produto final, em parte resultante de débil trabalho em conjunto (secções rítmicas Germânicas tendem a ser de igual forma inflexíveis ou muito vacilantes, e os Amon Düül conseguem gerir as coisas de forma extraordinária de modo a serem ambas em simultâneo), deixa um admirável dúvida se o grupo teria uma ideia clara do que quereria ser. Pessoalmente, eu teria preferido que eles tivessem optado pelas harmonias e gestão do tempo de faixas de Weinzierl como CID in Uruk
Os restantes comentários acerca dos Amon Düül II são ambos positivos e negativos, em simultâneo, descrevendo-os como “ uma organização forte e inventiva, e Wolf City mostra-os ganhando confiança e capacidades a passos largos”, mas acrescenta: “A única reserva que tenho é que eles ultrapassaram um ponto a partir do qual não é possível ouvi-los inadvertidamente e identificá-los instantaneamente como Germânicos, mas esta tendência modesta pode ser apenas a manifestação aparente de umas longamente merecidas férias por terem carregado a causa do Rock independente Germânico ao longo destes cinco anos. Ainda, não podemos deixar de desejar que alguns dos seus melhores títulos (Gulp a Sonata, Flesh-Coloured Anti-Aircraft Alarm, Rattlesnakeplumcake, Overheated Tiara, Sleepwalker´s Timeless Bridge, and A Short Stop at the Transylvanian Brain Surgery) conciliem música de inspiração comparável. Pelos standards mundiais, um grupo a ter em conta, ainda assim.”

Assim, com os Amon Düül II tendo sido vagamente elogiados, ele então assertoa: “O melhor que vos será dado a ouvir ficou reservado para o fim.” Eram os Faust; e fotografias pequenas e individuais dos seus cinco membros são as únicas ilustrações da parte três. Dizendo que os Faust “ são a única justificação do hype que se levantou acerca do Krautrock nos anos mais recentes,” menciona ele, sem opinião, o seu segundo álbum, So Far, que apenas foi editado na Alemanha, e um terceiro álbum, um duplo, cuja edição tinha sido projectada para o princípio de 1973. Mais tarde ele acrescenta que “escuta prévia de algumas das fitas que poderão fazer parte do álbum convenceram-me que pode ser uma obra-prima”. Ele ficou também bastante impressionado quando ouviu Meadow Meal do primeiro álbum dos Faust: “Usando apenas equipamento concebido por si próprios (sem sintetizadores), o grupo, nesta faixa, produziu o primeiro exemplo genuíno de Rock que a Grã-Bretanha e a América não poderiam apenas nunca ter concebido, como também, não poderiam, no presente, imitar tecnologicamente. Esta é verdadeira música avantgard, tocada com classe e um humor amigável e da qual nenhuma outra banda Alemã se aproxima..” Outra vez, está para além da minha compreensão como pode ele ser tão fanático em relação aos Faust e ainda assim ser tão contra quando se trata das outras bandas alemãs. Ainda assim, estranhamente, apesar do seu grande interesse nos Faust, ele não lhes proporciona um espaço condizente com esse interesse. Ele dedica muito mais espaço aos Can, por exemplo, e não era “uma pessoa dos Can”.

Esta era, pretensamente, a finalização do voo de MacDonald – pelo menos para essa fase. Contudo, em contraste com o geral positivismo eminente da parte três, uma parte mais negativa chamada “Late Arrivals” foi adicionada no fim, onde ele voltou à sua atitude habitual. “Um breve relance nas novas edições e importações da Alemanha deixa pouco para alterar à, no geral, sombria cena fotografada no artigo precedente”, foi a sua introdução; e depois ele destaca as várias edições individualmente no seu mais que esperado e menos que cortês modo, começando com os Amon Düül e o seu trabalho Disaster. “Soando pior que Collapsing e Paradieswaarts, ele faz jus ao seu nome.” Os Broselmachine de Duisburgo, uns Steeleye Spain Teutónicos, “Fazem o que fazem com competência e limitação, mas o resultado final do exercício desilude-me”. Porque é que terá de haver um objectivo final? Outras três bandas foram depois rapidamente e desfavoravelmente despachadas numa única frase: “Blitzkrieg dos Wallenstein, editado pela Pilz, é uma exibição sensaborona de flash-rock à maneira dos ELP; Gash soa, talvez, como uma grandiosa German Wishbone Ash; e Os Mundi, no seu álbum para a Brain, 43 minutes, apresentam uma indigesta evocação dos primeiros Colosseum e Graham Bond.” Ficamos então a saber: os Wallenstein soam como os ELP.

Acerca da próxima banda ele não foi capaz de dizer nada de informativo aos seus leitores: “Os Kraan de Stuttgart não soam como ninguém em particular, nem tão pouco como eles próprios – mas a sua companhia discográfica, Spiegelei, é nova para mim e tem um ovo estrelado como logotipo. Eu sou bastante parcial no que toca a ovos estrelados.” Os leitores do NME prefeririam, tenho a certeza, saber algo de concreto sobre os Kraan, em vez de terem o espaço preenchido e desperdiçado com uma das paixões gastronómicas de MacDonald. E, assim como o primeiro álbum dos Kraan, com o mesmo título, será que ele ouviu o seu segundo, Wintrup – gravado em Novembro-Dezembro de 1972, pouco antes da sua série de artigos surgir, mas não editado senão em 1973 – para ter a lata de dizer que eles nem sequer soavam como eles próprios? Eu duvido. Ou melhor, eu sei... ele nem se deu ao incómodo de ter um interesse real – uma técnica recorrente dele ao longo da série de artigos.

Seguem-se dois comentários para concluir a série de artigos. “Do que eu ouvi dele, o disco inicial dos Popol Vuh , In Pharao’s Garden, é conceptualmente parte da facção cósmica, se bem que mais suave que os seus companheiros de estábulo. O tocador de sintetizador Florian Fricke falha em trazer à luz a sua reputação e Holger Trulzsch é um chato e tosco percussionista na sua performance.” Eu gostaria de saber o quanto ele ouviu este disco – uns minutos aqui, outros minutos ali? O procedimento dele: Pousar a agulha do gira-discos uma boa meia polegada à frente e ver de imediato se a música agrada? Não. Tentar outra vez, meia polegada mais à frente, e assim sucessivamente. Ainda não? Então, polegares para baixo. E a seguir e finalmente: “Canaxis 5 pela tripulação Technical Space Composers é uma Inner Space Production, datada de 1970 e editada na etiqueta privada Music Factory. Participam Roland Dammers e Holger Czukay dos Can, tocando loops, electrónica e gravações de campo de canções de camponeses Vietnamitas – o que poderia ser muito interessante, mas devido à auto-indulgência não é.” Depois o seu nome aparece no fim, e este foi o final da sua série de artigos – ou assim pensaram os leitores do NME.

Que ele tenha pretendido ou não prosseguir a sua série de artigos, não era do conhecimento dos leitores, mas uma quarta, e finalmente uma quinta, parte apareceram na Primavera e Verão de 1973. O que se tornou, com efeito, a quarta parte da série de MacDonald sobre Krautrock no NME foi incorporada entre uma série de 2 partes chamada Common Market Rock, classificada como ‘Um Guia do Consumidor do NME’ e também negativamente subintitulado ‘Ou apenas o que nos deixaram, Part 1’ da sua série, é um artigo de 23 de Abril de 1973, em que fala da França, Itália e Alemanha, enquanto na parte 2, saído na semana seguinte, em 5 de Maio, refere-se à Dinamarca, Holanda e Irlanda. MacDonald cobre a França, Alemanha e Dinamarca, e os seus colegas do NME Armand Gallo (Itália), Tony Stewart (Holanda) e Steve Clarke (Irlanda), completam a série. A secção sobre a Alemanha era ainda mais pequena do que a parte 3 da série original e repetia a fotografia dos Faust da parte 2, sendo a única ilustração Germânica.

Então, MacDonald vem outra vez, mais negativista do que o habitual. ” Tenho pouco para dizer acerca do Krautrock, que não tenha já dito na minha série de 98 partes ‘German Calling (NMEs de Dezembro), excepto que as edições mais recentes parecem indicar que – com o prejuízo das companhias discográficas – o rock Germânico está a ficar complacente. À parte breves audições de novos grupos como os Brainstorm e Tomorrow’s Gift, ambos com potencial para produzirem algo de interessante, e a promessa igualmente estimulante de nomes como os Agitation Free e Association PC, a maior parte dos produtos recentes da cena Germânica parecem consistir, em graus variados, cópias dos estilos anglo-americanos. A energia parece ter desaparecido do lado experimental do país – que é, ao fim e ao cabo, a faceta particular da música que os ouvintes Britânicos acham mais intrigante. Rejeições neste quadro incluem as novas edições dos Drosselbart, Iblis [sic], Wlapurgis, Hoelderlin, Wallenstein, Ihre Kinder, Emtidi, Emergency, Message, Epsylon [sic], Marz, Jeronimo, Wyoming, Pell Mell, Frame, Sameti e (apesar da presença na sessão do extraordinário pianista de jazz, Mal Waldron) do segundo álbum dos Embryo, Steig Aus.”

Outra vez, em adenda à análise profunda de MacDonald falha a revelar a existência do verdadeiro segundo álbum dos Embryo, Embryo’s Rache, e do seu terceiro trabalho, Father, Son and Holy Ghost, a sua opinião sobre Steig Aus é estranha, para este distinto e inovador álbum de jazz-rock que possui definitivamente um som europeu. Ironicamente, três americanos – Mal Waldron, Jimmy Jackson e Dave King – contribuíram para ele.

Curiosamente, MacDonald menciona aquela banda denominada Scarecrew, “que recentemente assinou pela United Artists, e está a gravar o seu primeiro álbum na Alemanha”, e, “protegida em mistério, a única informação acerca deles é que na sua formação estão incluídos ex-membros dos Tangerine Dream.” Ele fez um razoável palpite acerca deles: “Eles podem ser, de facto, os Eruption de Conny Schnitzler debaixo de um novo nome.” Em todo o caso, parece que a banda a que ele se referia como Scarecrew era uma chamada Scarecrow, que foi formada pelo notório John L (nome real, Manfred Bruck), previamente na conexão Agitation Free e Ash Ra Tempel, apesar de os Scarecrow, afinal, nunca terem editado qualquer disco.

O seu aviso para os leitores do NME foi que o primeiro disco que ele estava a pensar comprar era o primeiro dos Faust. “A melhor compra em relação a qualquer banda Germânica, melhora a qualquer nova audição e pode estar entre os discos mais importantes de sempre. O seu disco seguinte, So Far, não tem a mesma qualidade mas ainda bate facilmente aos pontos qualquer outra banda Alemã.” Ele acrescenta que uma colectânea, a mid-price, de algum material não oficial dos Faust, intitulada, The Faust Tapes estará brevemente nos escaparates através da nova etiqueta Virgin Records”.

MacDonald sumaria a sua opinião geral com estas palavras: “Numa observação geral, contudo, o Rock Germânico parece ter falhado no seu próprio campo: o qual era que ele pode apenas ter sucesso fora da área musical anglo-americana, à qual chegou demasiado tarde e sem tradição nem originalidade suficiente para subir acima do plagiarismo comercial. Nós não pedimos nacionalismo, Herren und Damen. Apenas algo novo e real.”

A, realmente, última parte de German Calling – pelo menos que eu recorde – apareceu no número de Julho de 1973 e estava contida numa secção separada, entre críticas a álbuns em geral. Apenas ocupava um quarto de página, mas porque a fonte tipográfica era mais pequena que o habitual, o seu comprimento não era menor que o da quarta parte. Não havia fotografias.

A negatividade de MacDonald era ainda evidente, mas havia algumas surpresas também, e uma delas foi descrita logo à cabeça – pelo menos, depois de ale afirmar que 20 por cento dos novos discos seguiam as pisadas das primeiras aventuras experimentalistas do país, com os restantes operando entre o rock mainstream tal como ele fora estabelecido pelos Ingleses e Americanos nos anos 60.

O negativismo de MacDonald continuava evidente mas com algumas surpresas. Uma delas foi quando ele constatou que 20% dos novos álbuns seguiam as antigas aventuras experimentais do país, enquanto os restantes se integravam no rock convencional da Grã-Bretanha e dos EUA da década de 60.

Então porque razão não estava eu interessado no rock convencional anglo-americano dos anos 60 e dos princípios dos 70 e estava fascinado pela nova onda de rock alemão? Para mim havia uma diferença entre a música anglo-americana e a alemã. Os fãs do krautrock concordarão sem dúvida comigo. Porém, MacDonald não conseguia aparentemente discernir a diferença.

“Os Tangerine Dream”, aqui ele surpreendeu-me logo, “ foram acusados no passado de uma excessiva solenidade e de pretensiosismo, mas o seu quarto álbum Atem (Ohr) fez desaparecer uma grande parte destas acusações. O diálogo sobre Fauni-Gena é uma pequena obra de arte e a atmosfera geral é menos trabalhada do que as suas peças mais antigas. Todos os fãs dos Pink Fluid (sic) bem como os aficcionados da música electrónica ficarão boquiabertos.

O positivismo de MacDonald continuou a marcar os dois parágrafos seguintes.

“Ash Ra Tempel, no seu terceiro álbum Join Inn, limparam a sua incompetência ranhosa anterior e agora estão mais rápidos e com muito mais jam, ressoando aos The Grateful Dead. É melhor do que as suas primeiras tentativas, mas vale a pena realçar que esta espécie de melhoras teria mais cedo ou mais tarde de acontecer”. Agora estava a aplaudir uma banda alemã por se parecer como uma americana.

Porém, num parágrafo intermédio, MacDonald vem referir que não ficara impressionado com os Neu! (já escreveu o nome correctamente).

“Houve alguns agradáveis e perturbadores momentos no primeiro LP dos Neu!, mas no segundo álbum o seu ímpeto esgotara-se ao deslizarem para a lentidão inimaginativa dos seus progenitores Kraftwerk. A aridez descuidada do lado A é estranhamente equivalente à secura do lado B que consiste inteiramente na reprodução do single da banda de 1972 (Neuschnee e Super), tocado no estúdio, num gramofone portátil, em diferentes rotações e completado com ruídos de superfície e agulhas que saltam. Aparentemente Andy Warhol está vivo e bem de saúde e vive num gravador de cassetes em Dusseldorf.”

MacDonald também se mostrou pessimista em relação à editora Cosmic Courier:

“Recentemente, os Ash Ra Tempel mudaram-se para a nova editora de Rolf Ulrich Kaiser , a Kosmischen Kurier, para gravar um monte de lixo chamado Seven Up com o velho brejeiro do Dr Timothy Leary. O avôzinho anda a tripar. A Kosmischen Kurier promete ser a empresa mais insípida na história do mundo se o seu segundo lançamento, o Lord Krishna von Goloka, for algo que passe despercebido.

Aqui um alemão de idade pseudo chamado Sergius Golowin dirige um programa de misticismo com suplemento colorido para inconvencionais de fim de semana, ajudado por jovens alemães pseudo chamados Walter Westrupp, Bernd Withhuser,Klaus Schulze e Jurgen Dollase, dos quais falei algures. Pulverizar, literalmente, com DDT antes de manusear”.

MacDonald tinha mencionado na terceira parte que o líder (vocalista) dos Wallenstein, Jurgen Dollase, apregoava ser a reincarnação do famoso general com o mesmo nome, vestindo-se tal como ele.

E agora, o negativismo em relação a um artista a solo:

O duplo álbum Vertigo de Peter Michael Hamel evidencia um teutónico Terry Riley. Todos os seus procedimentos esotéricos de escalas modais, improvisos, aparelhos aleatórios e de modulações de toques estão aqui bem patentes com uma secura académica que infelizmente passaram das notas para a música. É a Vila da Maçada.

Estranhamente, a análise “profunda” de MacDonald sobre a nova cena rock germânica não revelou a existência de um álbum da editora Wergo, chamado Einsteig, de 1971, o primeiro álbum dos Between, a banda multinacional de Hamel. Os Between incluíam um cavalheiro na flauta que dava pelo nome de James Galway (ou Jimmy J Galway, flauta, Irlanda, como comprovam os créditos no álbum). Pergunto-me o que é MacDonald teria feito deste intrigante facto. Talvez não muito mais, exceptuando algo, provavelmente, depreciativo.

MacDonald virou-se então da “investigação consciente para os tipos que estão simplesmente a passar um bom bocado”, tal como o próprio descreveu numas quantas edições que ligavam a cena germânica ao jazz e aos blues.

“O álbum Passport de Klaus Doldinger editado pela Atlantic teve sucesso na Alemanha, e não é difícil saber porquê. Soando à linha stream da Graham Bond Organisation, Doldinger (tenor, moog), Jimmy Jackson (órgão), Udo Lindenberg, baterista dos Atlantis, Amon Düül II, e os veteranos Olaf Kubler (tenor) e Lothar Meid (baixo), estão juntos de uma forma empolgante.

Jackson, que conjuntamente com Mal Waldron foi de alguma maneira encoberto pelo recente e vaporoso ensaio de Embryo, Steig Aus, aqui aparece simples e límpido, a entoar cantos de tenor (muitas vezes em uníssono). Não são um conjunto de provocar grande agitação, mas são completamente convincentes na onda jazz-blues. O disco saiu com uma bela capa, também.”

Mais uma vez, um estranho comentário. No Steig Aus, que na capa diz “featuring Jimmy Jackson”, ressaltam os soberbos sons do órgão Hammond. Quanto é que MacDonald ouviu deste álbum?

A seguir uma banda que ele tinha mencionado na segunda parte.

“O oblíquo Passport de Bond/Hiseman não é uma coincidência, como se comprova pela presença actual de Hiseman num álbum que está para sair dos The Wolfgang Dauner Group, o qual apresenta Larry Coryell como convidado. De vez em quando temos novamente um lançamento da Brain. Rischkas Soul, com a banda de Dauner a deixar as agressivas experiências electrónicas de Output, o primeiro álbum pela ECM”

Mas o que ele tinha dito na segunda parte sobre o Rischkas Soul? Bem, ele dissera que era “um jazz sintetizado com humor e uma tremenda energia – recomendado.” E o que diz ele agora? Bem...”Rischkas Soul está no mesmo saco do jazz-blues e é de alguma forma um desapontamento.”

Prosseguiu com mais negativismo. “Outras bandas que tendem a ficar no mesmo saco são os Gorilla, uma resposta germânica a Chicago, e os multinacionais Sinto. Por nenhum deles vale a pena perguntar o preço. Atrás deles, temos os Electric Sandwich, Cornucopia, Lava e Novalis, todos em linha a tocar precisamente o mesmo rock de sempre. Os Thirsty Moon escapam por pouco deste conjunto, mas de forma pouco significativa. Aquele aborrecido trio Guru Guru reaparecem pela quarta vez com um arrastado medley de rock and roll pela editora Brain.”

MacDonald nem se deu ao trabalho de informar os leitores dos títulos destes álbuns, porque não estava interessado neles.

MacDonald também não sabia o que fazer de uma banda que já tinha mencionado. “Os Kraan, cujo segundo álbum (Wintrup) alcançou recentemente esta margem, são actualmente a melhor nova banda da Alemanha, e tornam-se um problema no que respeita a estimar o seu valor.

Interessantes atributos esquadrinham a perfeição nos seus dois álbuns, mas não há nada que possa ser posto em evidência para justificar a sua alta reputação. Oiçam vocês mesmos os Wintrup”.

Talvez devesse ter acrescentado “... porque eu não me quero dar a esse trabalho”.

Os comentários finais do Germany Calling vão para os álbuns de Frumpy. “Conhecidos agora como Atlantis, eles foram uma das bandas alemãs de topo entre 1971 e 1972. Gravaram quatro discos pela Philips e ganharam alguns pontos. Tanto o All Will Be Changed como o Frumpy 2 consistem num flash tecno dominado por órgão, mas com a achega do guitarrista Rainer Baumann, a banda assentou raízes num rock alinhado, de influência blues, dando hipótese à masculina voz da vocalista Inga Rumpf distender a sua laringe para além da habitual espécie de material agradável ao ouvido da plateia.

Porém, o seu terceiro álbum By The Way retém a tensão entre o que eram essencialmente duas bandas diferentes e é uma espécie de resultado de uma afortunada fertilização cruzada. Frumpy Live revela que a transição ficou completa e que foi a última coisa que a banda gravou antes de mudarem de nome. Com uma amplitude estranhamente aparentada com os Stone the Crows, os Frumpy fizeram o que fizeram mas não abriram novas portas.”

MacDonald resumiu depois os seus achados na quinta e última parte. “Ouvir estes álbuns tem, globalmente, reavivado o meu interesse no rock alemão. É uma cena tão louca por lá que vale a pena passar uma esponja por cima de todos os disparates para saber o que lá se passa. No caso, os Tangerine Dream e Klaus Doldinger valeram mais ou menos o esforço. É tudo cavalheiros. Mantenham-se alertas quanto aos voos rasantes dos Messerschimitts.”

Será que MacDonald entendeu, por esta altura, que o krautrock estava realmente a ir de encontro ao gosto do público e que ele deveria começar a reconhecer que ali havia realmente qualquer coisa que valia a pena? Não merecia ele aquele Spiegelei, ou ovo estrelado, na cara? (‘Egg on the face’ é um anglicismo que significa ‘ ser deixado com cara de parvo’).

E assim teminou o Germany Calling, tanto quanto sei, porque MacDonald até pode ter feito outras referências ocasionais depois disso, nomeadamente em secções críticas, sem que eu tenha dado por elas.

Mas obviamente que ele não era um fã do krautrock. Não precisava dele na sua vida musical. E qualquer coisa positiva que dele tenha extraído teria sido simplesmente um bónus inesperado.

MacDonald não ouvia os álbuns com objectividade, provavelmente até mal os ouvia, ou porque não tinha interesse ou porque não queria dar-se a esse trabalho. Mas, depois, fazia grandes afirmações, a maior parte sobre a inadequação da música, querendo fazer crer que seria muito entendido sobre o assunto.

Ele não era a pessoa mais adequada para produzir uma série de artigos sobre a cena rock germânica, devido à sua falta de interesse. Como jornalista, deveria ter apresentado uma visão objectiva sobre esta nova música, mesmo não gostando dela pessoalmente. Em vez disso, espalhou pelas páginas do NME(New Musical Express), opiniões negativas e sarcásticas para afastar os leitores. Será que era um caso de “Não percebo sobre o que é e, de qualquer forma, nunca irá de encontro ao gosto do público– por isso não deve prestar”?



Bem, o krautrock acabou por conquistar o gosto do público, tendo-se difundido por todo o globo neste último quarto de século desde que MacDonald emitiu os seus péssimos e quase ofensivos comentários – primeiro quando o vinil era rei e mais recentemente com a maior parte dos discos a serem reeditados em cd juntando-se-lhe mais algum material que ainda não tinha sido editado.

Utilizei a expressão “quase ofensivos “ quando defini os comentários de MacDonald porque ele de facto atacava os artistas do krautrock injustificadamente. Em primeiro lugar eles não o tinham ofendido; em segundo, lutavam de forma inventiva e notória contra uma indústria meramente comercial e de mainstream ao produzirem música artística e altamente criativa que, aparentemente, não possuía valor comercial.

Ninguém tem dúvida que os músicos do krautrock conseguiram obter sucesso, não necessariamente em termos comerciais mas em termos artísticos e criativos. E também conseguiram obter sucesso noutro campo: na longevidade. Não só a profundidade da música conseguiu assegurar o seu valor como também algumas das bandas e alguns dos músicos continuam no mesmo meio, ou seja com a habilidade de fazer esta música.

Os dois maiores exemplos de longevidade são os Tangerine Dream e os Embryo, que desde o período da série de artigos de MacDonald, continuam a editar discos e a tocar ao vivo para muitas pessoas pelo mundo fora.

Os corajosos Tangerine Dream, sob a liderança de Edgar Froese, o seu único membro constante, merecem muita aclamação pela sua dedicação e atrevimento, os quais levaram a música rock a uma distância considerável, ainda mais do que os inventivos Pink Floyd.

A grande dose de coragem dos Tangerine Dream reside em terem a audácia em oferecer música rock sem batida, tanto em disco como em concerto, e os fãs adorarem.

Os Embryo também merecem esses créditos. Christian Burchard, o único membro constante da banda, outrora na onda do jazz-rock progressivo, conseguiu um impressionante colectivo de muitos e variados membros e produziu o que agora se chama world-music, integrando músicos de diversas partes do planeta e acabando, através da música, com as habituais e muitas vezes absurdas barreiras humanas.

Só para que conste, apresento-vos alguns dos outros krautrockers que duraram mais do que fora vaticinado por MacDonald ao permanecerem na música durante os anos 90 ou por reaparecerem em anos recentes tais como Faust, Ashra(Tempel), Cluster, Guru Guru, Amon Düül II, Popol Vuh, Agitation Free, Conny Scnitzler e Klaus Schulze. Muitos outros continuavam de boa saúde nos anos 80. Para além disso, não deve ser esquecido o facto de que a essência do krautrock ainda hoje se encontra em muitas das actuais bandas.

O que teria Ian MacDonald a dizer de tudo isto?

Então quem é que riu por último? Certamente não foi Ian MacDonald, que riu primeiro. Para além disso, e melhor ainda, o riso pertence aos animados e inventivos artistas do krautrock, cujo sucesso se encontra testemunhado pela sua impopularidade junto do mainstream, e pelos seus leais fãs que têm gostado da música (especialmente aqueles que digeriram o presente artigo e que agora sabem o que tem sido dito de forma gozada e pessimista através dos anos por um crítico através do NME.

Michael Watts, era um jornalista melhor informado do Melody Maker (MM), rival do NME, e foi ele que escreveu o primeiro artigo que eu li sobre krautrock.

A cobertura que Watts deu à cena do rock alemão, intitulada Deutsch Rock, na edição de 15 de Abril de 1972 do MM foi provavelmente a razão pela qual as séries de MacDonald foram classificadas como as “primeiras análises profundas”, insinuando que a de Watts não era.

No entanto, para um só artigo ele até foi bastante profundo no assunto.

Apesar de ter apenas ocupado uma página no MM, o tamanho da página era maior e o texto mais pequeno do que o do NME. Com um subtítulo afirmando que a nova música da Alemanha era possivelmente mais interessante que qualquer uma na Europa, o artigo continha três imagens: Kraftwerk, na verdade só Florian Schneider-Esleben; Lucifer’s Friend; e Amon Düül, i.e. ADII.

Watts iniciou o seu artigo parafraseando Michael Karoli dos Can ao afirmar que os grupos europeus de rock tinham deixado de ser influenciados pela Grã-Bretanha e pelos EUA. “Ele tem razão” -afirmara Watts - “tal e qual como as audiências britânicas haverão de verificar em breve quando os Can chegarem, seguidos a breve trecho dos Amon Düül II. O facto de estas bandas serem germânicas não é uma coincidência. De todos os países do continente que estão a tentar criar o seu próprio rock, a Alemanha é o país que parece ser mais fértil e mais inclinado para o experimentalismo. É um exagero afirmar que os músicos alemães formaram a sua própria cena de rock, independentemente de influências externas, mas ao menos uma mão cheia delas estão a ir por caminhos não menos aventureiros do que a maioria dos seus parceiros anglo-americanos ou virtualmente dos restantes parceiros europeus”.

As opiniões principais no seu próximo parágrafo, sobre as bandas germânicas, também contrastam com a atitude de MacDonald:

“É importante que estas (as bandas referidas) sejam encorajadas, que obtenham sucesso, pelo qual desesperadamente ambicionam, nos mercados britânico e americano. Numa altura em que o rock britânico insiste em voltar ao passado, estas são boas sugestões para o futuro. Contudo, não se trata de uma tentativa de encorajar um movimento de rock and roll de massas, mas apenas para anunciar a existência de boa música do outro lado do Canal (da Mancha), a qual não está a ter uma boa aceitação no nosso país, apesar de o mercado alemão ser considerado o quarto maior do mundo.”

Que hipóteses de encorajamento, sucesso e reconhecimento teriam com as atitudes de MacDonald? No entanto, apesar do seu negativismo, as bandas alemãs triunfaram.

Os próximos parágrafos do artigo de Watt centralizam-se nas similitudes do rock alemão com o estilo anglo-americano, e logo aqui adveio um dos poucos comentários negativos de toda a sua análise: “Deverá ser referido logo de início que a maioria das bandas alemãs são na sua essência uma imitação da pop anglo-americana. Não se trata de uma regra absoluta, mas estas bandas tendem a adoptar nomes ingleses como Birth Control, Lucifer’s Friend e Epitaph”. Contudo, deve ser relembrado que havia muitas bandas alemãs - e que as mais inovadoras e experimentais combinaram com as melhores daquelas cujo estilo era menos daquela natureza mas mesmo assim boas em termos do rock anglo-americano – e que se afiguraram uma mais valia.

Mas, mais uma vez, diferenças significativas começaram a ressaltar. Ele (Watt) explicou que os jovens alemães estavam ansiosos para expressar os seus próprios conceitos, e por acabar com a ligação à pop anglo-americana, pelo que viram a via do rock como o caminho mais conveniente para alcançar esse seu objectivo.

“Isto aplica-se a músicos com motivações políticas como é o caso de Ton Steine Scherben, Ihre Kinder e os marxistas Floh de Cologne. O seu ênfase encontra-se mais nas letras do que propriamente na música, sendo o assunto frequentemente a crítica ao sistema capitalista. O caso mais representativo é o de Floh (Ing. Flea; Port. Pulga) de Cologne, que lançaram um álbum cujo título traduzido em inglês é “Conveyor Belt Baby’s Beat Show” “.

No artigo encontravam-se listadas as bandas alemãs que melhor representavam a nova música: “Os que carregam a tocha pela inteligente música rock alemã são um núcleo de grupos liderados pelos Can e Amon Düül II. Nele se incluem Embryo, Kraftwerk, Guru Guru e Tangerine Dream. Neles define-se o melhor do rock alemão.”

Uma abordagem relativa ao problema dos custos dos equipamentos musicais foi também efectuada de forma mais simpática por Watts do que por MacDonald, quando o assunto derivou para a natureza vanguardista da cena germânica:

“Apesar de muitos grupos de rock alemão não possuírem o suporte financeiro para se equiparem com VCS3 e Moogs, que as bandas aqui (em Inglaterra) entendem como materiais obrigatórios, eles mostram um grande fascínio pela electrónica e usam os efeitos especiais não como acessório de embelezamento mas pelo seu próprio valor. Não será demais apontar Stockhausen como a figura paterna do rock alemão. Irmin Schmidt, teclista dos Can e Holger Czukay, o baixista, são ambos antigos alunos do compositor. Ambos são figuras intelectuais e provavelmente vêm o rock como meio de reunir música que esteja mais próxima do vanguardismo do que do Top20”.

Tendo afirmado, com implicações positivas, que já tinha sido escrito o suficiente sobre os dois albuns dos Can, “Monster Movie” e “Tago Mago”, editados pela United Artists, Watts descreveu, de forma louvável, os dois lados do album de electrónica “Canaxis 5” de Czukay e Dammers, sob o nome de Technical Space Composer’s Crew. Após ter explicado que o álbum se encontrava disponível pela editora de discos privada Music Factory de Munique, declarou: “Vale a pena.” Depois continuou a louvar os Can, tendo relatado que os tinha visto a tocar ao vivo durante quatro horas: “ As actuações dos Can são tão cheias de vigor como o seu ritmo. No Pavilhão dos Desportos de Colónia, no passado mês de Janeiro, eles deram um concerto gratuito para 10 000 pessoas – a Câmara Municipal tinha dado a sua benção em nome da cultura moderna. Ouvi-los a ribombar como um expresso sem paragens é uma experiência única, mas a repetição do seu acto sem final, acabou por ser demais para estes ouvidos ingleses. O entusiasmo dos Can parece resultar melhor dentro de um contexto de um álbum.”

Os substanciais parágrafos remanescentes do artigo de Watt consistem principalmente na descrição de cinco outras bandas que ele tinha listado como as que carregavam a tocha pelo novo rock alemão, e estas eram descrições que no geral não continham aspectos negativos significativos – contrastando com as opiniões de MacDonald – mas valem a pena ser citadas na íntegra:

“Os Embryo têm um album chamado Embryo’s Rache (A Vingança de Embryo), pela United Artists, a qual com a Philips e a vanguardista da Ohr editaram a maior parte do produto alemão mais conhecido. Estão mais orientados para o jazz, com sax soprano, flauta e órgão mas são sem sombra de dúvida alemães, com aquele ritmo de batida pesada e insistente. Quando cantam em inglês são basicamente instrumentais, mas não são adversos a canções de intervenção política como “Espagna Si, Franco No”, com o lema “A ( R )evolução é o único caminho”. No entanto, a faixa mais interessante é a última (Verwandlung) com a utilização do mellotron e de piano para fazer a ligação ao violino de Edgar Hofmann, o qual parece que tem andado a ouvir Don Harris” (Não é feita menção ao primeiro album – Opal – mas, ao menos, e ao contrário de MacDonald, Watts tinha descoberto o segundo album dos Embryo e escrevera o seu artigo oito meses antes das séries de artigos de MacDonald).

“Pelo que sei os Kraftwerk (Powerstation), editaram dois álbuns, um deles, Organisation, pela RCA; e o outro, homónimo, pela Philips (os escritórios ingleses desta editora nunca ouviram falar deles). A banda é composta por Ralf Hutter no órgão e Florian Schneider-Esleben na flauta, violino e percussão electrónica. Apesar do álbum que foi editado pela Philips reflectir um uso trivial do som, existem na verdade estranhos momentos, como o pesado ribombar no Ruckzuck que se desvanece e torna a soar nas colunas com a gélida precisão de uma máquina. De facto, eles têm o som enérgico mais mecanicista que eu já ouvi. O seu nome encaixa que nem uma luva.”

“Tangerine Dream, por seu turno, um grupo berlinense, estão menos ligados à terra. Se a designação música espacial não for uma expressão muito desproporcionada, ela é a mais adequada para descrever a sua música. Uma espécie de Pink Floyd em tom menor misturado com King Crimson do século XXI. Os TD lançaram dois álbuns pela Ohr, Electronic Meditation e Alpha Centauri, e há pouco tempo ouvi o single, Ultima Thule (Parte Um e Dois), que, se não estou enganado, é uma expressão de Virgílio que significa um lugar muito longínquo (“Furthest Thule”). A maior parte da substância musical parece ser feita com um mellotrone um órgão mas é bastante eficaz, apesar da Parte Dois conter uma certa semelhança a Set the Controls.”

“Os Guru Guru também estão na Ohr (que significa ouvido) com um álbum chamado UFO, e devem ser tomados em conta devido ao seu baterista Mani Neumeier, que toca percussão electrónica tal como outras bandas (Can e Kraftwerk por exemplo).”

Antes de descrever Amon Düül II, Watts menciona “um conjunto de outras bandas que também valem a pena tomar em conta”. Referia-se a “Parsival (sic) que tocam algo parecido a rock de câmara e são muito leves, etéreos e bucólicos; George Deuter que combina uma mistura de sons electrónicos, bongos, guitarra pura e cítara – uma das faixas chama-se “Krishna Eating Fish and Chips”; Klaus Weiss, um proeminente baterista na Alemanha e que recentemente gravou um super álbum de percussão – Niagra (sic) com outros bateristas dos EUA, Inglaterra, Alemanha e Venezuela; os Eiliff, que têm um baixista chamado Bill Brown e são dominados pelo órgão com arranjos ortodoxos; e depois há os Et Cetera, Gila, Xhol, Cluster, Popol Uuh (sic), que é suposto serem ferozes” . Mas os Amon Düül II eram a banda favorita de Watts e ele dedicou-lhes a maior parte do artigo:



“Porém, de todas as bandas alemãs, a que tem maiores alicerces são os Amon Düül II. Se eles conseguirem manter o equilíbrio entre a banda e continuarem a permanecer não afectados pelas mudanças de pessoal, não há razões para que eles não venham a tornar-se uma força positiva na cena rock internacional. O seu sentido organizacional é uma interrogação que perdurará sobre o seu futuro. Desde há dois anos que planeiam vir a Inglaterra mas até agora nunca o fizeram. Se as actuações forem como os discos eles demonstrarão ser uma revelação para as audiências inglesas”.

“Em termos da expressão do rock eles estão a uma larga distância de todos os outros. Têm um som menos alienígena do que os Can ou os Kraftwerk; absorveram o vocabulário musical dos Transatlantic. Mas a música permaneceu muito deles próprios apesar das referências aos primeiros dois albuns – Phallus Dei e Yeti - dos Dead and the Airplane ou ao Dance of the Lemmings dos Hendrix and the Floyd.

Eles conseguem rodopiar surpreendentemente à volta de um vasto leque de sensações, desde o excêntrico rock espacial até ao rock ácido de Archangel’s Thunderbird no álbum Yeti, um dos melhores singles de hard rock de sempre. Conseguiram retirar ideias, de várias maneiras, do pop anglo-americano mas conseguiram ir ainda mais longe.”

“O seu mais recente álbum, Carnival in Babylon, é aquele que é mais calmo. É até agradável com os sons bucólicos da vocalista, Renate, que recentemente voltou para o grupo. A música não é tão experimentalista como no álbum anterior, tem antes uma maior textura: bonitas linhas de baixo, em particular no All the Year’s Round, e tacadas inteligentes por parte dos dois guitarristas, John Weinzierl e Chris Karrer. Nestes dois reside o futuro dos Amon Düül.”

“Quando há três meses estive em Colónia, Weinzierl explicou-me que o objectivo deles não era “alcançar um ligeiro sucesso e depois serem celebrados como super pop stars”. No entanto, na Alemanha a sua reputação tem proporções míticas. São profetas no seu próprio país.”

Depois Watts finalizou o seu artigo, de forma instantânea e simples: “Se o rock & roll for realmente tão homogéneo [i.e. se for igual em todo o lado tanto na sua origem como na sua derivação] como toda a gente afirma que é, então nós em Inglaterra também nos deveríamos aperceber desse facto” [i.e. que os Amon Düül são uma banda de qualidade]



A diferença de atitudes entre os dois jornalistas era muito evidente. Michael Watts, através do seu artigo detalhado, mostrava ter uma mente aberta e tinha uma grande admiração pelo novo movimento de rock alemão. Ian MacDonald, pelo contrário, parecia que não ouvia bem, e apenas condenava a grande maioria da música na sua longa série de artigos, querendo atribuir um menor enfâse ao facto de a popularidade do krautrock ter começado a aumentar. Na verdade, e ironicamente para MacDonald, o krautrock floresceu na época após os artigos dos dois jornalistas.

Tenho de aplaudir Michael Watts por ter divulgado a música de forma tão positiva. Para mim estes dois jornalistas, sem eu ou eles termos dado conta na altura, estavam a dar uma grande contribuição, apesar de indirecta, para a história do krautrock.

Os seus artigos no MM e no NME estão muito atrás no passado literário do krautrock, mas eles são os mais significativos porque os fans do kraturock não sabiam da sua existência até os lerem agora.

Esta era razão por que desejava publicá-los na internet. Talvez possa haver alguém que venha a produzir, algures no futuro, uma cronologia detalhada da história do krautrock, integrando os artigos de Ian MacDonald e de Michael Watts.

Agradeço comentários ao Recalling Germany Calling e Deutsch Rock e ficaria também grato se me informassem da existência de outros artigos antigos em inglês sobre o krautrock.




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