Os Modelos de Walkman Que Definiram Cada Época - Como a Sony reinterpretou a música portátil ao longo de quase cinco décadas - EP11

 

2016: NW-WM1Z Walkman: The Gold Brick

At roughly $3,000, the NW-WM1Z made no attempt to be reasonable. Its gold-plated copper chassis wasn’t indulgence. It was a boundary. In a world dominated by phones and streaming, Sony turned inward and made a Walkman that demanded time, attention, and intention.

Os Modelos de Walkman Que Definiram Cada Época - Como a Sony reinterpretou a música portátil ao longo de quase cinco décadas - EP10

 

2011: NW-Z1000 Walkman: Becoming a Platform

With the NW-Z1000, Sony adapted. By adopting Android, it accepted that ecosystems now mattered more than devices. This wasn’t an engineering failure. It was recognition. The Walkman survived by yielding authorship rather than trying to reclaim it.

Danças Ocultas - "Danças Ocultas Estreiam AS CONCERTINAS TAMBÉM CHORAM"

pop rock >> quarta-feira >> 21.02.1996 

pop rock >> portugueses

Danças Ocultas Estreiam AS CONCERTINAS TAMBÉM CHORAM
Um disco instrumental, ainda por cima só de concertinas, é uma operação arriscada, por mais calculado que seja o risco. Foi isso que fizeram os Danças Ocultas, um grupo de Águeda que, no seu álbum de estreia, decidiu elevar aquele instrumento de fole à categoria de música de câmara.

 

“Danças Ocultas” rejuvenesce um instrumento considerado durante muito tempo parente pobre, remetido para a animação de romarias ou para o peditório do cego. Se Júlio Pereira tirou o cavaquinho e a braguesa do gueto, e Tentúgal e Fernando Meireles fizeram o mesmo com a sanfona, o quarteto de Águeda devolveu a concertina à sua condição de nobre que é capaz de chorar a melancolia de Satie. Artur Fernandes, mentor do projecto, num intervalo das filmagens do vídeo promocional, explicou ao PÚBLICO os segredos do instrumento. 

PÚBLICO – Como decorreu a gravação? 

ARTUR FERNANDES – No início trazíamos uma forma de execução, um tipo de reportório e uma determinada afinação das concertinas, a tradicional, com as palhetas mais vibrantes. A pedido do Tó Pinheiro da Silva [engenheiro de som e responsável pela sonoplastia], estudámos a possibilidade de ter o som mais afinado, com as palhetas mais próximas. Foi o que fizemos. Não podemos igualmente negar a influência, no modo de trabalhar, do produtor Gabriel Gomes, determinante na feitura dos arranjos. Nos três dias que antecederam a gravação, alterámos alguns aspectos dos temas. 

P. – Gravaram ao vivo no estúdio? 

R. – Como temos vindo a tocar sempre os quatro desde há seis anos, criou-se entre nós um balanço próprio. O Tó Pinheiro entendeu que isso devia ser aproveitado, essa envolvência, gravando não por pistas mas todos juntos. Claro que deu mais trabalho, sempre que alguém se enganava tínhamos de gravar outro “take”. 

P. – A relação com a tecnologia deu-se sem atritos? 

R. – Tenho essa relação, mas a outro nível. Estou neste momento a fazer estágio no curso superior de Composição, mantendo uma relação com a música electro-acústica, com sistemas digitais e analógicos. Este trabalho com as concertinas funciona, no entanto, a outro nível. 

P. – O tema inicial, “Folia”, constitui uma experiência radical na utilização da concertina… 

R. – No acordeão e na concertina existe um botão do ar que liberta o fole sem ser necessário tocar nos botões. No acordeão, este botão serve essencialmente para, no fima da música, fechar o fole. Na concertina ele tem outra função, que é, durante a música, compensar a necessidade de maior ou menor tempo a abrir e a fechar o fole. Havendo esta funcionalidade do movimento do fole, optámos por explorá-lo isoladamente, de maneira a produzir uma sensação de respiração humana. 

P. – As pessoas costumam ver na concertina um instrumento folião, extrovertido, mas “Danças Ocultas” é um disco bastante melancólico, poderíamos mesmo dizer de música de câmara… 

R. – Exacto. Comecei na música tradicional, a tocar concertina nos grupos folclóricos. Depois fui para o Conservatório e iniciei experiências com a concertina, precisamente na área da música erudita. Verifiquei que o instrumento afinal não era tão limitado assim. O que era necessário era explorar as suas potencialidades. Fui descobrindo então o tipo de trabalho que se faz na música de câmara, com distribuição das vozes pelos instrumentos, o tipo de envolvência, ou a necessidade de tocar com o máximo de conforto. Anatomicamente, há a necessidade de tocarmos sentados, para obtermos um máximo de rendimento em termos de expressão. 

P. – O “No8c) turno das 7” traz-nos ecos de uma “gnossienne” de Erik Satie… 

R. – Não posso negar. Sobretudo no acompanhamento harmónico e no tipo de ritmo. Mas há no disco todas as influências da música que ouço e estudo, Piazzola (em “Quartetra”), de quem sou grande fã, músicas tradicionais da Europa, menos Stravinsky, Messiaen e Webern, este último pelo culto da forma. Um pouco o que eu tento disciplinar neste projecto e que aprendi com a análise de Webern. Na “moda assim ao lado”, não poso negar a inspiração de um Riccardo Tesi ou de um Kepa Junkera. Mas o nosso som resulta pessoal, em parte devido à afinação diferente que procurámos. Em Portugal, a concertina tem um som estridente. Em Itália ou nos países celtas, trabalha-se um som que os afinadores chamam mais “ligado”. Nós ainda fomos a um extremo maior. Tentámos, nos vários arranjos, explorar a diferença de timbres, nas mãos esquerda e direita, além dos tais movimentos do fole. 

P. – Já pensou na possibilidade de desenvolver o instrumento, liga-lo à electrónica, como faz, por exemplo, Valentin Clastrier com a sanfona? 

R. – Para já não penso nisso, gosto imenso do som acústico. Sinto mais vibração no corpo assim do que com os sons electrónicos ou electrificados. 

P. – Está consciente do risco que é editar em Portugal um disco instrumental, para mais centrado num único instrumento? 

R. – O projecto, quando começou, partiu precisamente da tal influência da música de câmara. Sei que, por vezes, as pessoas precisam de seguir, ouvir uma letra, mas, talvez por estudar música, consigo dispensar a voz. Neste aspecto tenho como modelo o “Quinteto do novo Tango”, do Piazzola, onde os instrumentos têm como função imitar as vozes humanas. É um pouco pedagógico tentar ensinar as pessoas a ouvir música e a aperceber-se de que não interessa se uma música é comercial ou não. 

P. – Para eventuais interessados, quanto custa uma concertina? 

R. – Há concertinas a três e duas vozes. Quer dizer, cada botão dispara três ou quatro palhetas. Com três palhetas, o som é mais potente. A de três vozes é mais cara, custará agora à volta de 200 contos. As italianas, que são as melhores, custam ainda mais. 

NOTA: Os Danças Ocultas apresentam o seu disco de estreia num espectáculo a realizar a 16 de Março, no Pequeno Auditório do Centro Cultural de Belém. Por agora, estão a gravar um vídeo de promoção com realização de Tó Forte, um jovem de 27 anos cujo currículo inclui já trabalhos com os Kussondulola, Diva, Sacred Sin, Sérgio Godinho, Mário Laginha e Janita Salomé, além da assinatura em programas para a televisão como o extinto Pop-Off ou, actualmente, o de moda, “86-80-86”.

Os Modelos de Walkman Que Definiram Cada Época - Como a Sony reinterpretou a música portátil ao longo de quase cinco décadas - EP9

 

2007: NW-A800: First Video Walkman

The NW-A800 was well built, with a sharp OLED screen and excellent audio quality. As a device, it did little wrong. But 2007 changed the rules. When the smartphone arrived, music stopped being the reason for the device and became one tile among many, alongside maps, messages, and the web itself. Jogging playlists and pocket video suddenly belonged on a screen that absorbed everything. The Walkman was still something you carried. The phone became somewhere you lived. The crisis wasn’t interface design. It was relevance.

cultura >> quarta-feira >> 14.02.1996

“Desconserto De Mosika”, Na Assírio & Alvim, Em Lisboa Músico-Reparadora Mecânica De Bertholo, Lda.
UMA MÁQUINA de fazer música? Obrigado, já temos! Órgão electrónico, piano eléctrico, “Theremin”, “mellotron”, sintetizador, sequenciador, “sampler”… Sim, mas que tal uma máquina de fazer “mosika”? A diferença poderá ser conferida hoje, pelas 22h, na sala de exposições da Livraria Assírio & Alvim, na Rua Passos Manuel, 67-B, em Lisboa, onde o inventor da engenhoca, René Bertholo, dará um “desconserto de mosika”. A ortografia, com “s” em vez de “c”, faz supor um desconstrutivismo qualquer. Bertholo lá nos vai avisando: “Orelhas sensíveis, abstenham-se!”, para logo a seguir se apressar num “talvez não!”. O som vai “viajar à volta da sala reproduzido por seis altifalantes”. O programa, é “visualizado por 600 luzes vermelhas e verdes”. Vai durar cerca de uma hora. René Bertholo, pintor neofigurativo com um percurso iniciado nos anos 60 em Paris, onde fundou o grupo “KWY” (“Ká Wamos Yndo”, no gozo), concebeu, desenhou e fabricou a enigmática máquina – “espécie de sintetizador-sequenciador digita programável” – quando, em 1973, um amigo lhe deu a conhecer um artefacto bizarro designado “caixa-de-música”, dessas pequeninas, em forma de cilindro, com picos, um pente metálico e de dar a manivela, que tocam “Au claire de la lune”. Iluminação! Qual capitão Marvel, logo ali os céus desferiram um raio sobre a sua cabeça. Foi nesse momento que Bertholo resolveu construir uma coisa parecida, mas em grande e electrónica. “A princípio”, diz, “era mais uma máquina que produzia ruídos”. Ainda hoje o pintor duvida de que o que ela produz “seja música”. Por isso optou pelo termo “mosika”. A máquina toca sozinha, funciona com programações de memória electrónicas possui duas unidades melódicas bifónicas (dos sons tocados em simultâneo) e trifónicas (três sons), três unidades de ruído (pássaros, rãs, etc) e dois mini “samplers” (de 16 segundos de memória cada). Há ainda unidades de percussão, filtros de modulação e um controlador de “envelope” (ataque, duração, “decay”) sonoro, como num sintetizador. A curiosidade desta “máquina de mosika” está precisamente na junção de elementos arcaicos da chamada “música mecânica” (caixas-de-música, realejos, carrilhões, relógios musicais) com a síntese digital do “sampler”. Para o seu inventor possui a vantagem adicional de “tocar coisas diferentes das cassetes e discos” que tem lá em casa.

Os Modelos de Walkman Que Definiram Cada Época - Como a Sony reinterpretou a música portátil ao longo de quase cinco décadas - EP8

 

2005: NW-A1000 Walkman: Infrastructure Overwhelms the Device

The NW-A1000 wasn’t undone by hardware. It was undone by control. SonicStage asserted ownership over the music itself, turning listening into administration. Transfers failed silently. Libraries corrupted themselves. At the moment people expected digital media to feel lighter, Sony made it procedural. This was when Sony lost the culture war, not because the Walkman was inferior, but because it tried to manage the listener instead of serving them.

Maddy Prior And The Carnival Band - "Hang Up Sorrow & Care"

pop rock >> quarta-feira >> 14.02.1996 

world

Para Curar De Vez A Melancolia  MADDY PRIOR AND THE CARNIVAL BAND - "Hang Up Sorrow & Care" (10) Park, distri. Megamúsica

é Carnaval. Tempo de folia. Dois dias de festa, vinho e serpentinas. A Carnival Band declara aberta a quadra, escancara o bar, lança as serpentinas e disponibiliza as máscaras – um carnaval tradicional, onde a sumptuosidade das vestes se alia ao mistério do jogo das aparências. Num tom bastante menos ortodoxo que o da religiosidade natalícia de “A Tapestry of Carols” ou “Carols & Capers”, o grupo “privativo” de Maddy Prior mascara, neste seu novo trabalho, a música do Renascimento com uma jovialidade e um artificionalismo, nunca contranatura, que aumentam ainda mais o fascínio de um imaginário onde o requinte do gesto se confundia com o teatro dos sentimentos. Como nos Incredible String Band (um tema como “The Jovial begger (yes spelt er)”, pisca o olho à antiga banda de Robin Williamson e Mike Heron, ou mais recentemente, nos Cock & Bull, esse imaginário é transvestido num hibrido “folk” que, se recupera algumas das sonoridades características da época (gaita de foles, guitarra barroca, “curtals”, bombarda) prefere destilar a sua essência lúdica a imitar-lhe, letra a letra, as formas. Em “Playford tunes”, a Renascença não renega o diálogo “in high spirits” da gaita de foles com uma guitarra eléctrica saturada do doce néctar das uvas. Nem o canto delicado de Maddy choca com a sonolência de um órgão Hammond num bar a horas mortas. “Hang Up Sorrow & Care” – subintitulado “A Cure for all Melancholy”, baseado na história de “old Simon the king”, discípulo de Baco – segue então aquela filosofia etílica sem outra transcendência a não ser a da euforia, do cérebro e dos sentidos. Depois, a cantora dos Steeleye Span está a cantar melhor do que nunca. Ouçam-na, mas ouçam-na mesmo, na polifonia que mantém consigo mesma sobre o tal órgão Hammond em “The leathem bottel”, antes da entrada triunfal da fanfarra dos foles e das bombardas. E que tal espantarem-se com um tango do séc. XVII dançado na corte com Paolo Conte, em “Oh! That I had but a fine man”? Não nos era concedida jóia deste quilate desde a gravação de duas das mais brilhantes pérolas dos Steeleye Span, “Below the Salt” e “Parcel of Rogues”, ou do ciclo a solo, sobre as estações, de Maddy Prior, “Year”. “Now o now I needs must part”, com uma vocalização tão clara como uma manhã de Primavera, possui um ligeiro travo americano. Outra polifonia, neste caso mista, “A northern catch/Little barley come”, permite em definitivo situar “Hang up Sorrow & Care” na linha directa de descendência dos Steeleye Span dos anos 70. Mas num registo pessoalíssimo, onde a música da Renascença e a “folk” inglesa são irmãs e simultaneamente a graça mais antiga e moderna deste (outro) mundo. John Dowdand, Henry Purcell, o “Orpheus Caledonius”, a “Beggar’s Opera” de John Gay, o compêndio “The Dancing Master” (dá licença, senhor Ashley Hutchings?...) ou a lista de licores de “Wit and Mirth, na Antidote against Melancholy” são as raízes, o pretexto e a parra de um banquete bem regado na companhia dos deuses. O primeiro grande disco de 1996.

Livros sobre música (e hauntologia) que vale a pena ler - Cromo #123: Cormac Pentecost (editor) - "UNDEFINED BOUNDARY -THE JOURNAL OF PSYCHICK ALBION -VOLUME ONE / ISSUE ONE" - Magazine

 

autor: Cormac Pentecost (editor)

título: UNDEFINED BOUNDARY - THE JOURNAL OF PSYCHICK ALBION - VOLUME ONE / ISSUE ONE

editora: Temporal Boundary Press

nº de páginas: 118
isbn: N/A -  Magazine
data: 2022
1ª Edição - £10

UNDEFINED BOUNDARY

THE JOURNAL OF PSYCHICK ALBION

VOLUME ONE / ISSUE ONE

EDITED BY CORMAC PENTECOST

Temporal Boundary Press

“The boundary in undefined”

 

Published by Temporal Boundary Press, Shrewsbury, 2022

© Temporal Boundary Press and individual contributors 2022

Photographs pp. 69, 71 & 74 © Helen Billinghurst & Phil Smith

Edited by Cormac Pentecost

 

CONTENTS

Introduction

by Cormac Pentecost – 1

Gog, Magog and the Stubborn Illusion: The enduring resonance of Andrew Sinclair’s’Albion Triptych’

By Andrew Hedgecock – 7

Shadows: The Dark Streets of Kimballs Green

By Paul Bareham – 15

A Lady on a White Horse

By Nigel Wilson – 23

Ponderings Upon Paul Nash, The Ancient Soul With A Surrealist Heart

By Rebecca Lambert – 35

The Magical Praxis and Politics of Penda’s Fen

By Duncan Barford – 45

The Sick Rose: Magic/k is the Opium of the Middle-Classes

By Patrick Weir – 55

Crab & Bee’s Provisional Demonology of Old Quarries and Suburban Woods

By Helen Billinghurst & Phil Smith – 67

“…tomorrow will be beyond imagining.” – The Solstice and Susan Cooper

By Karen F. Pierce – 77

In a Remote County

By Mark Valentine – 93

Alex Sanders: A Liminal Discography

By Stephan Canner – 101

Contributors - 111

 

 

 

 

ALEX SANDERS: A LIMINAL
DISCOGRAPHY
BY STEPHEN CANNER

 

Liminal Discography: An experimental, creative approach to discography that attempts to transcend the traditional boundaries of the practice, going beyond mere lists of releases by artist, label, or genre. Liminal Discography can be viewed as a form of creative non-fiction, standing at the threshold between scholarly research and artistic practice. The intent is not to define the material, nor to lock it into a rigid hierarchy, but to unearth its unexamined aspects. Liminal Discography is less interested in making statements than in allowing new questions to emerge. It is a methodology that while founded on facts, statistics, and the ‘official record’, also embraces rumor, innuendo, poetry, and the visionary.

In the early 1960s a thin, balding, middle-aged man who worked as ‘porter, book-duster, and odd-job man’ in the John Rylands Library in Manchester became something of an unlikely celebrity. By creating a colorful backstory, skillfully manipulating the popular media, and proclaiming himself ‘King of the Witches’, Alex Sanders managed to forge a career as one of the most recognizable occult figures in Britain.

One way to chart the cultural presence of characters like Sanders is to map and chronicle the objects generated by or around them, These include media objects: newspaper and magazine articles, books and films; as well as more personal expressions: correspondence, diaries, or other manuscript behind history itself. Sound recordings also belong in such collections but they are easily overlooked as important sources of information. This may be due to the fact they often replicate what is available in textual sources, and so can be seen as analytically at a group of related recordings as a whole can reveal subtle narratives that transcend what is recorded in the grooves of vinyl or shellac, or on a strip of metal oxide. Why was a recording reissued at a certain time? How has it been reused, reworked, or repurposed in other recordings? How does it relate to recordings that were made before or after it?

Examining these sorts of questions can reveal new lines of inquiry about the subject itself.

What follows is a discography of commercially released recordings on which Alex Sanders appears (or is purported to appear). As an example of Liminal Discography it is not intended to be definitive nor does it claim to have the final word about its subject. It is offered as a starting point for further questions, other creative research angles, and should be viewed as both subjective and as a work in progress.

 

A Witch Is Born

A&M Records – AMLS 984 (UK, LP, 1970)

The cover of the June 19, 1972 issue of Time magazine gave much of the American public a mild shock when it appeared on newsstands that summer. It bore a photograph of a figure wearing a black hood embroidered in red yarn with the Sigil of Baphomet. Human eyes peered at the viewer through ragged holes cut in the fabric, replacing those of the goat-headed anti-deity, giving the whole thing a bit of an ‘uncanny valley’ effect. The article the image was created for, “The Occult Revival: A Substitute Faith’, was a response to the widespread interest in the dark arts that had been growing in recent years, especially since the emergence of the 1960s counterculture. Early in the piece, its anonymous author was quick to point out that this interest was not limited to North America: ‘England is experiencing such resurgence of witchcraft and other occult dabbling that an ecumenical commission of Anglicans and Roman Catholics recently recommended that each diocese appoint an official exorcist to drive out demons. ‘To capitalize on this situation, Pan American Airlines was at the time offering Americans a $629 ‘Psychic Tour’ of Great Britain ‘ including a visit to a psychic healing center, a séance, and a day at Stonehenge with the chief of Britain’s Most Ancient Order of Druids.’

In Britain, one of the most prominent ‘faces’ of the occult revival was Alex Sanders, a favorite subject of magazines and tabloids. His popularity with journalists was no doubt aided by the presence of his wife Maxine and other female initiates who often appeared ‘skyclad’ – wearing nothing but the sky – meaning the press coverage was often little more than exploitation.

In June 1970, A&M Records released an LP in the UK, credited to Sanders, called A Witch Is Born. It contained a recording of the ceremony inducting a new initiate into Sanders’ brand of Wicca. Its gatefold sleeve – with liner notes by Stewart Farrar, who published a book called What Witches Do the following year – was a little more than a tabloid treatment, complete with photographs of both Alex and Maxine performing rituals in the nude. What possessed A&M to release this LP, and who at the label gave the green light, are open questions. While the label wasn’t known to be particularly conservative, this release was quite a bit more outré than the vast majority of its releases. Numerically and chronologically, it was sandwiched between releases by The Flying Burrito Brothers and Sérgio Mendes, discs much more representative of the label’s output at the time. It is entirely possible that the idea was to capitalize on the publicity being received by June Johns’ recent book on Sanders, King of the Witches, which was still in print in the UK and was released in the US in the spring of 1979«0. The album is one of a handful of ‘documentary witch records’ that appeared during the era, a list that included Louise Huebner’s Seduction Through Witchcarft (1969); Gundella’s The Hour of the Witch; Barbara Ann Roehrs’ Barbara, The Gray Witch (both 1971); and Babetta’s The Art of Witchcarft (1974).

 

Opening Gateways

S. A. Cassetes – [No #1 (UK, 3xCassette, ca. 1985)

In 1975 Chris Bray, also known as Frater Marabas, an adherent of chaos magick, opened a small shop in Leeds called Sorcerer’s Apprentice. One regular visitor in its early days remembers that ‘with its blacked-out windows and visored door, [it] had from the outside, a forbidding air, tinged with the kind of backstreet seediness associated at that time with sex shops.’ Besides its sidefront location just west of the city centre, it also provided ‘[c]onfidential, discreet, genuine ,ail-order occult supply for the discerning magician, witch, astrologer and psychic, newcomers and adept.’ By 1980 Marabas had launched a zine called Lamp of Thoth. Densely packed with articles, each issue sought to educate its audience in various aspects of occult theory and practice, while also promoting the shop’s mail-order business. In the mid-1980s, the S. A. Cassettes label was launched through the shop, with the aim of providing educational material in audio format. The liner notes from Opening Gateways described the release in typically opaque language, probably intended to add an air of mystery to whatever the true source of the material was:

This tape is part of a collection made many years ago by an accomplished occultist who was well known within the modern occult movement. He spent a lifetime researching the occult arts and made these recordings to pass on the beginners his knowledge about the practice of Witchcraft and Magic. A High Priest of Wicca and devout Pagan he organized several Covens in the South of England. The S. A. was entrusted with the copyright of the master tapes upon his death and now produce and distribute them worldwide.

The reason this release appears here is that it has been speculated that its narrator may be Alex Sanders. This attribution is subject to further research though, as the witch king was very much alive at the time of its release. It also seems that Marabas was no fan of Sanders. According to Denise Wadsworth who now runs the Sorcerer’s Apprentice website ‘Marabas says he was more of a show-man than a shaman.’

 

A Witch Is Born

Grey Matter – GM06CD (UK, CD, 1994)

This was the first  time the Sanders LP was ever reissued, as well as its first appearance on CD. Grey Matter was a UK-based label that also issued a handful of bootleg releases related to Charles Manson, Jim Jones, William S. Burroughs, and Charles Bukowski.

 

A Witch Is Born

Mother Isle – MI AS01 (Italy, CD, 2009)

This was a one-off bootleg reissue by this otherwise unknown Italian label. The booklet included with the disc was a full and faithful reproduction of the original gatefold sleeve. The timing of this release, at the end of the first decade of the millennium, puts it firmly in the midst of a huge resurgence of interest in all things occult, one that arguably rivals that of the late 1960s and early 1970s.

 

Téléplasmiste

To Kiss The Earth Goodbye

House of Mythology – HOM 020 (UK, LP/CD, 2020)

Téléplasmiste is the electronic, experimental, ‘post-industrial’ project of author and publisher Mark Pilkington (Strange Attractor Press) and bagpiper / wind instrumentalist Michael J. York, who was briefly a touring member of Coil. While on a visit there a few years ago, Pilkington discovered that the Museum of Witchcraft and Magic in Cornwall was in possession of a number of recordings by Sanders. He later arranged with museum director Simon Costin to procure copies of them. One of these, a sample of a trance recording Sanders made during a ritual with his partner and lover Derek Taylor at Bexhill in the 1980s, forms the centerpiece of the track ‘An Unexpected Visit’. The use of this sample is in keeping with the overall transmundane vibe of the album, with its title taken from a book by remote viewer and possible CIA spook Ingo Swann, and its cover image by artist-spiritualist Ethel le Rossignol.

A Witch Is Born

Kieh! Kieh! - # 10 (Europe, Cassette, 2022)

A ´tape label devoted to odd and uncommon material’, Kieh! Kieh! Was launched during the midst of the COVID pandemic, apparently from somewhere in Europe. Like many bootleg/pirate labels, however, the proprietors seem to want to keep the exact location and details of their operation vague. Like its predecessor Grey Matter, the imprint is a bit obsessed with the darker side of 20^th century culture, with releases related to Charles Manson, Jim Jones, David Koresh, and William S. Burroughs. The label goes a bit beyond the cult fringe, though, also offering recordings by Timothy Leary, Alan Watts, and Marshall McLuhan. Its catalog is rounded out by a handful of porn and horror soundtracks. This is a very bare bones cassette reissue of Sanders’s LP. The words ‘Tape Suitable for Adults Only’ splashed across the cover goes beyond that of the original.

 Afterword 

Each of these recordings was created and marketed within its own historical and cultural context. But by examining this recorded output from a high level – as a matrix of interconnected events – one can parse out a narrative of cultural ebb and flow that is bigger than its subject. The original LP seems to have been released to capitalize of Alex Sanders’ fame (or infamy), and was more likely to have been purchased by young people interested in its ‘freakiness’ than by serious occultists. The 1985 Sorcerer’s Apprentice recording – whether or not it actually contains Sander’s voice on the tape – raises the question of how the ‘King of the Witches’ was actually viewed by those who took the occult seriously. The LP’s first reissue in 1994 shows the shift from vinyl to compact disc that was happening at the time, a change that occurred during an era that also saw a huge explosion in global zine culture. The darker side of that culture had a very pronounced fascination with the more transgressive figures from recent history. The inclusion of A Witch is Born alongside recordings of Charles Manson in his jail cell and of Jim Jones’ People’s Temple (both from its earlier San Francisco days and from Guyana) in Grey Matter’s catalog hint at its place within a certain fringe, revisionist view of history that was emerging at the time. The 2022 cassette release highlights the renewed popularity of the tape format within recent years, as well as showing that certain 1990s tendency to lump serial killers, cult leaders, and occultists into something of a pantheon of anti-heroes has not totally died out in this millennium. Téléplasmiste’s use of a sample of Sanders’ voice to add texture, depth and mystery to an electronic track hints that there may be more to explore regarding the ‘meaning’ of his presence in such a context. Starting with such a high-level reading and then focusing in on the finer details that emerge, a discography such as this one can be used as a jumping-off place for further exploration, whether that be on items covered in the discography itself 

Os Modelos de Walkman Que Definiram Cada Época - Como a Sony reinterpretou a música portátil ao longo de quase cinco décadas - EP7

 

2003: D-NE900 CD Walkman: The Disc as Container

By the early 2000s, listening habits had already changed. The D-NE900 treated the compact disc as a container rather than a sequence. MP3s and ATRAC files coexisted, partly as a reluctant concession to file sharing rather than ideology. Anti-skip buffers grew enormous, and navigation mattered more than order. The CD was no longer the experience. It was just a carrier. The CD Walkman survived by behaving like something it technically wasn’t.

Vydia Ensemble / Vítor Rua - "Vydia Ensemble, Esta Tarde, No CCB - As Sete “Vydias” De Lucky Luke"

cultura >> sexta-feira >> 09.02.1996

  Vydia Ensemble, Esta Tarde, No CCB As Sete “Vydias” De Lucky Luke
OS VYDIA Ensemble tocam, desestabilizam e propõem-se espantar todos os que, hoje, antes da hora de jantar, derem um salto ao bar do terraço do Centro Cultural de Belém (CCB). O espectáculo, de genérico “Stress/Relax”, tem início às 19h, para sermos mais precisos. Vydia Ensemble é o projecto de música experimental de Vítor Rua paralelo ao projecto de música experimental que o guitarrista divide com Jorge Lima Barreto, os Telectu. Começou por ser o título de um disco de Rua a solo, antes do Ensemble – mais músicos – se juntarem no Vydia – o conceito. Os músicos, descontando Rua, líder do colectivo, são oito: António Marques, Manuel Guimarães, Rute Praça, Paula Pestana, Lúcio Studer, Beatriz Serrão, Pedro Roxo e Fernando Guiomar. Tocam uma quantidade de instrumentos e têm a preocupação de soarem diferentes, quer dizer, que os instrumentos se pareçam com tudo menos com os instrumentos que são. Rua é Rua, um músico que trata a guitarra por tu e a “nova música” com não menos à vontade. Rua arrisca e experimenta. Tem ideias e procura pô-las em prática. O conceito é relativamente vago mas reúne todas as hipóteses de resultar em músicas que exijam do ouvinte mais do que o simples encolher “blasé” dos tímpanos: “ah, sim, a vanguarda…”. A vanguarda, para Vítor Rua, tem coração –“ … o sentimento de que a música deverá ser original, inovadora e sempre no campo da experimentação” – e nome próprio, Improvisação, algo capaz de elevar o guitarrista a “graus de prazer excepcionalmente misteriosos e extraordinários”. E não só: “o improvisador tem que ser um pouco como o Lucky Luke, mais rápido que a própria sombra”. O resto é teoria, por natureza pouco dada ao convívio com o prazer: o minimalismo, rock-art, electrónica, as tais tipologias que enchem páginas mas deixam sedenta a alma. Mas habita na música dos Vydia Ensemble um conceito mais leve que voa entre os conceitos de peso: o efeito borboleta, muito falado pelos físicos mas pouco utilizado pelos músicos. Uma pequena “nuance”, como um “feedback”, um “loop”, um padrão repetitivo, ampliados, sobrepostos ou repetidos durante o tempo que se quiser, podem dar origem a um universo rítmico e harmónico complexo. “O micro interfere com o macro”, sintetiza Vítor Rua. Só os títulos das composições deixam adivinhar mil surpresas e uma tarde de “stress” e/ou “relax”: “Cow.not-not-cow”, “Asta”, “To noise, or not to noise”, “Cream dream”, “Shridu”. Um deles vale como manifesto: “It’s so tonal that makes me vomit.”

Os Modelos de Walkman Que Definiram Cada Época - Como a Sony reinterpretou a música portátil ao longo de quase cinco décadas - EP6

1998: WM-EX7 Walkman: The Smart Tape Illusion

With MiniDisc established, Sony tried to force that same digital logic backward onto cassette. The WM-EX7 included a Music Information Data Bank that allowed metadata to live separately from the tape itself. Track names followed the listener, not the cassette. In practice, it was administratively heavy and lightly adopted. The idea was ambitious, but the timing betrayed it. Sony no longer trusted tape to carry meaning on its own, yet it could not quite let it go. The cassette was being asked to behave like a file, and it resisted.